Keith Haring

Biografía del artista, Pensamientos y Obra


- MI CONTRIBUCIÓN AL MUNDO ES MI CAPACIDAD DE DIBUJAR. QUIERO DIBUJAR TANTO COMO PUEDA Y DURANTE TANTO TIEMPO COMO PUEDA -


1958. Nace Keith Haring en Reading (Pensilvania); fue el primogénito de 4 hermanos. Siente, ya siendo niño, un niño un gran interés por el dibujo. Creció acompañado de cómics e historietas de dibujos animados, y por eso tal vez pudo desarrollar un instinto por lo ‘originalmente americano’. Su padre Allen le apoya y fomenta su pasión.



‘Sin título, 1982‘ (rotulador y pintura sobre lienzo encontrado)

‘Mi padre pintaba figuras de cómics para mí, y estas pinturas influyeron mucho sobre mis comienzos: hacer los contornos con una línea discontinua, los contornos sencillos típicos de los tebeos’

No fue un artista autodidacta pero rompió con las convenciones de su tiempo y fue contra las reglas del negocio del arte y por tanto corrió el riesgo de no ser tenido en cuenta. Durante una visita al Hirshorn Museum de Washinton DC Haring ve por primera vez los trabajos de Andy Warhol, una serie Marilyn, lo que le causa una profunda impresión.



Marilyn, Andy Warhol

Ya en la adolescencia demostró abiertamente su autonomía y voluntad, acompañándolas con sus primeros experimentos con las drogas y el alcohol. Pero la opción dibujo, y lo que eso puede llegar a significar en esa etapa crucial, le acompañó siempre. Y más tarde será un tema que denuncie en sus pinturas, luchando en campañas y murales contra la droga. Otro medio de expresión serán los pósteres, que en la mayoría de los casos distribuirá gratuitamente y en los que se podía leer el mensaje en su lenguaje típico (Crack is Wack)




A los 16 años elaboró un denso collage de todo lo que le rodeaba y le marcaba, desde los sellos discográficos de los grupos de rock hasta las referencias ocultas de las figuras del cómic.



Big Bad Wolf, 1984

1976-1978 Después de finalizar los estudios secundarios en 1976 en Kutztown (Pensilvania) se matriculó -por recomendación de sus padres- en Artes gráficas publicitarias en la Ivy School of Professional Art de Pittsburgh (Pensilvania). Después de tan sólo dos tremestres, dejó la carrera porque se dio pronto cuenta de que no quería dedicarse a la publicidad, para dedicarse exclusivamente al arte, mientras se mantenía con trabajos ocasionales. Siguió participando en seminarios y utilizaba las instalaciones de la Universidad. Al margen de las influencias de la vida diaria, los trabajos de artistas como Pierre Alechinsky, Jean Dubuffet, Robert Henri y Christo se convirtieron en las fuentes de inspiración artística de Keith Haring. Bajo su influencia se desarrolla un estilo gráfico, que concede principal importancia a la línea.


1978 Acaba de cumplir los 19 años cuando Keith Haring tiene la oportunidad de exponer individualmente sus trabajos en Pittsburgh Arts & Crafts Center. A pesar del entusiasmo que le provoca tener tan pronto esa oportunidad, es consciente de que Pittsburg le ofrece posibilidades muy limitadas para su desarrollo artístico. Ese mismo año toma la decisión de abandonar Pittburgh.

Haring se traslada a Nueva York y se matricula en la School Visual Arts (SVA). Como estudiante hizo videos, instalaciones, y cut-ups siguiendo los truisms de Jenny Holzer y las técnicas de Willian S. Burroughs y Brion Gysin. Busca pronto el contacto con el público presentando sus trabajos en la calle y en los clubs, de modo visible a todo el mundo. Haring defiende la oponión de que el arte ha de ser accesible a todo el mundo y no sólo a una élite. Traba amistad con artistas como Kenny Scharf y Jean-Michel Basquiat, así como con músicos y actores. Se convierte en parte integrante del mundo del arte alternativo y de los clubs.



Con muchos transeúntes surgía una interacción. A Haring le gustaba eso. El contacto directo era para él muy importante…

‘Quiero hacer un arte que pueda ser experimentado y explorado por mucha gente diferente que saque ideas individualmente distintas sobre una obra determinada, sin que el significado quede fijado definitivamente. Sólo el observador da a la obra su realidad, su concepción e importancia. Yo sólo soy el intermediario que intenta reunir las ideas’



‘Red dog‘, 1987

Armado únicamente con un rotulador fluorescente comenzó a modificar carteles publicitarios, pero también a dejar sus propios tags, siguiendo el modo de actuar de los artistas de graffiti. Los tags son abreviaturas gráficas que reproducen la signatura del autor de un modo lleno de fantasía y que hacen imposible su identificación.

Cuando llegó de Pittsburgh, el joven Haring quedó fascinado por los primeros graffiti con los que se topó en las calles de Nueva York. Admiraba la virtuosidad de esos artistas que empleaban el spray y simpatizaba con sus acciones ilegales, con las que actuaban más allá del arte y el comercio, en el espacio público, visible a todo el mundo.


Haring reaccionó a esos tags con su lenguaje formal típico: como signo personal eligió un animal, que cada vez fue tomando más forma de perro, un perro de hocico cuadrado, ladrando. Y claro…

‘El bebé se ha convertido en mi logo o mi signatura, porque representa la experiencia más pura y positiva de la vida humana’
Una puerta en un vertedero, 1983
Dibujados en fila, o enfrentados, en diferentes combinaciones con diversos significados, colocó sus tags en el mismo lugar donde otros artistas del graffiti habían dejado los suyos. Al marcar su territorio de .este modo, buscaba no solo el contacto con los artistas del graffiti, sino también el reconocimiento por parte de estos. Aunque nunca llegó a formar realmente parte del mundo de estos…


1980 Con su instinto por los lugares adecuados, Haring descubre las superficies libres de carteles en el metro de Nueva York; superficies que estaban cubiertas por papel negro, que cubre con sus dibujos de tiza, los subway drawings.

‘Cuando vi que en todos los túneles del metro se encontraban esas superficies negras, me di cuenta del descubrimiento que acababa de hacer. De repente, todo tenía sentido. Todo lo que en los últimos años había visto y observado en Nueva York adquiría sentido. Ahora había descubierto el camino para mantener el ritmo con los artistas del graffiti sin hacer plagio de ellos, pues no quería dibujar sobre los vagones del tren; no tenía ganas de introducirme en cocheras, para pintar a escondidas el exterior o el interior de los vagones. Y en realidad, al pintar sobre las superficies negras estaba mucho más expuesto frente a los policías: era un aunto verdaderamente arriesgado’ - le explica a su biógrafo John Gruen.

‘Pintar con tiza sobre ese papel blando y negro fue una experiencia completamente nueva para mí. Hacía una línea continua, no hacía falta interrumpirla para introducir en la pintura el pincel o cualquier otro objeto. Era una línea constante, una línea de gran fuerza gráfica; uno estaba sometido a una limitación temporal. Había que trabajar con la mayor rapidez posible. Y no se podía corregir. Por tanto, había que trabajar, por así decir, sin cometer fallos’

Estas superficies resultan ser una posibilidad ideal de comunicarse con el público que se cuenta por millones y compartir su arte con otras personas. Pronto, el metro -por expresarlo con las palabras de Haring- se convierte en su ‘laboratorio’, donde experimenta con sus claras líneas. Allí representa por primera vez su radiant baby, un bebé a gatas rodeado por una aureola. Algunos dibujos eran autónomos, otros formaban parte de una pequeña serie, siguiendo el principio de una historieta de cómic; también narraba una historia a lo largo de varias estaciones del metro. Sorprendentemente esos dibujos a pesar de su vulnerabilidad o precisamente por eso, apenas fueron dañados o ensuciadados. Y la estructura de esos dibujos estaba pensada para un público que pasaba con prisas a lo largo de ellos. Sin embargo, considerar estas obras como simple entretenimiento o decoración para rellenar espacios en blanco, significaría desconocer el sentido original de sus subway drawings. Y Haring consigue imprimir su mensaje en ellos. Como en esa: el sueño del dinero…


Al mismo tiempo surge la oportunidad de participar en una exposición de grupo, el Times Square Show, que facilita a Haring el presentar su arte en comparación directa con otros artistas. En el otoño de 1980 toma la decisión de matricularse en la SVA en el semestre de invierno. Abandona la Escuela sin título, que se le concede postumamente en el 2000.

Andy Warhol, 1983
1981 Haring organiza numerosas exposiciones de grupo en el Club 57 y en el Mudd Club. Las exposiciones de sus propias obras, en el Westbeth Painters Space, en el Club 57 , en la Hal Bromm Gallery y en P.S. 122 son instalaciones volumétricas y de gran superficie. Esta última le valió su primera crítica en las ‘Soho Weekly News’. En esa época consigue ganar dinero por primera vez vendiendo sus obras. Conoce, después de haber vivido muchas relaciones desafortunadas, a Juan Dubose, un DJ afroamericano, que se convierte en su compañero sentimental


1982 Tony Shafrazi pasa a ser su galerista. Cuando el número de visitas de coleccionistas interesados, que acudía a su estudio, le robaba un tiempo muy valioso, que no podía dedicar al arte, dejó de ser su propio marchante. Para su primera exposición individual, Haring trabaja sobre plancha de vinilo. Esta plancha, fabricada industrialmente, no sólo es de un precio asequible, sino que también permite pintar cuadros de gran formato. Estilísticamente, los dibujos y las obras sobre plancha enlazan con los subway drawings.


Otro acontecimiento que eleva su popularidad es una animación de 30 segundos de duración de sus iconos, que se proyecta sobre una pantalla gigante (Spectacolor Bill-board), en el Times Square de Nueva York durante un mes, cada 20 minutos. A través de sus contactos con el mundo del graffiti Haring conoce a LA II, un joven artista de graffiti, con quien realiza algunos proyectos. Al mismo tiempo sus trabajos se dan a conocer en Europa. En el otoño participa en la documenta 7 de Kassel. Siguen viajes a Países Bajos, Bélgica y Japón.

- video K. Haring -
‘Tony yo decidimos que mi primera exposición individual se celebraría en su galería en octubre de 1982. Ahora bien hasta entonces yo sólo había dibujado y para la exposición quería pintar unos cuantos grandes cuadros, cosa a la que hasta entonces siempre me había opuesto. La razón de ello era mi aversión al lienzo. Lo que me molestaba del lienzo era la sensación de que parecía representar un determinado valor antes incluso de tocarlo. Me parecía que no tenía la misma libertad que cuando trabajaba sobre papel, porque el papel es un material sin pretensiones, fácilmente disponible y no tan caro. Además, el lienzo simbolizaba para mí todo el rollo histórico… y me bloqueaba psicológicamente’

Exposición de 1982

Sus obras por primera vez aparecían en un catálogo y el artista siguió el principio de los trabajos realizados in situ. Además de presentar dibujos y planchas, en su plan general, que afectaba a toda la superficie de la galería, integró también los muros de la galería, en la que pintó sus típicas figuras y elementos de trazos. Entre frisos formados por figuras corriendo y bailando, bebés gateando y dibujos de ratones Mickey y pitufos, colgó sus trabajos realizados sobre plancha de vinilo.


‘chica con cinta en el pelo’
A la inaguración de la exposición, que se convirtió en un gran éxito, acudieron Roy Lichtenstein, Ron Rauschenberg, Sol Le Witt, Richard Serra y Francesco Clemente.

La figura absurda, en cuyo vientre aparece un agujero y que, en este caso, sirve de aro para las acrobacias de los perros, se remite a un acontecimiento concreto. Para este motivo, que Haring empleó ya en sus subway drawings, se inspiró según sus propias declaraciones en el atentado que sufrió John Lennon en 1980.

‘El efecto paralizador del atentado se notó en toda la ciudad. A la mañana siguiente me desperté y tuve la imagen del hombre acribillado a balazos ante mis ojos; siempre asocié esa visión con la muerte de John Lennon’

1983 Haring viaja por primera vez a Italia y expone en la Galleria Lucio Amelio de Nápoles. Conoce al escritor William S. Burroughs, cuya obra estima mucho desde sus tiempos de estudiante. Participa en la Whitney Biennale de Nueva York y en la Sao Paulo Biennale. Con ocasión de la inaguración de una exposición en la Fun Gallery conoce a Andy Warhol. Surge una amistad entre ambos, caracterizada por un reconocimiento mutuo y el intercambio artístico. Haring realiza su primer body painting en el cuerpo del coreógrafo Bill T. Jones.

1984 Gran parte de sus trabajos públicos está estrechamente relacionada con proyectos benéficos para niños (esto me encanta, en realidad lo hacen muchas cosas de él, que me está enseñando :)). Da clases de dibujo en escuelas y museos de Nueva York, Ámsterdam, Londres, Tokyo y Burdeos y proyecta motivos para campañas de alfabetización en Estados Unidos y Alemania. Pinta un mural para el Walker Art Center de Minneapolis; y a continuación en Sydney, Melbourne y Río de Janeiro. Como siempre que trabaja en público está rodeado por niños y adolescentes, lleva consigo pegatinas y chapas, que distribuye en tres sus pequeños fans, y muchos de sus murales los realizó en colaboración con los niños. Hace un segundo body painting, esta vez sobre el cuerpo de Grace Jones. En el verano es invitado a participar en la Biennale de Venecia.
Proyecta los decorados para El matrimonio entre el cielo y el infierno para el Ballet Nacional de Marsella.

- Madonna 1984 -
En la primavera de este año y con ocasión de su cumpleaños, Haring escenificó su primer ‘Party of Life’. La razón de ello fue compartir su éxito, que comenzaba a crecer rápidamente, con sus amigos. Para ello alquiló el Paradise Garage completo, encargó la organización del acompañamiento musical a la cantante Madonna, con quien le unía una relación de amistad, y diseñó camisetas para la ocasión que se distribuyeron a las personas invitadas a la fiesta. En su biografía se dice que se celebró una fiesta por todo lo alto, con la presencia de más de 3.000 personas invitadas.

‘Una de las cosas que más me han interesado es el papel del azar en las diversas situaciones; dejar que las cosas sucedan por si mismas. Nunca planifico mis dibujos previamente. Nunca esbozo un plan para un dibujo, ni siquiera para enormes pinturas murales. Mis primeros dibujos, que siempre eran abstractos, estaban llenos de referencias a imágenes, pero nunca eran imágenes específicas. Son más bien como escritura automática o expresionismo abstracto’

acrílico, pintura de spray y tinta sumi sobre papel, 1980
‘El arte vive gracias a la imaginación de la gente que lo contempla. Sin ese contacto no es arte. Yo me he forjado a mí mismo un papel como creador de imágenes del siglo XX; cada día intento comprender las responsabilidades y las limitaciones de esta posición. Para mí, cada vez es más claro que el arte no es una actividad elitista reservada a unos pocos, sino para todos; este es el objetivo por el que continuaré trabajando’


1985 Haring presenta por primera vez sus esculturas de acero y aluminio en la Leo Castelli de Nueva York.
‘Moises y la zarza ardiendo’, 1985
Para su primera exposición individual en el Musée d’Art Contemporain de Burdeos pinta sobre lienzos gigantes el ciclo de Los Diez Mandamientos. Haring intensifica su actividad política y lucha contra el Apartheid.
- Stop Aids - 1989
El sida se convierte en un tema importante, que Haring traduce en su arte en muchas ocasiones. En Paradise Garage conoce a su nuevo amante, al portoriqueño Juan Rivera, y se separa de su compañero de muchos años Juan Dubose.


1986 En abril Haring inagura su primer Pop Shop, en el Soho, que vende sus productos, como camisetas, pósteres, pegatinas y adhesivos magnéticos.
Keith Haring en el interior
Concebido como ampliación de su obra, el Pop Shop tiene como objetivo permitir a la gente que participe en el arte de Haring. La cercanía de la gente de la calle sigue siendo un objetivo preferentemente para Haring. En esa época ha realizado ya más de 50 proyectos públicos por todo el mundo, frecuentemente con mensajes sociales. Algunos murales se encuentran en lugares muy visibles como hospitales e iglesias; otros, por el contrario, en sitios más apartados.

El 22 de febrero de 1987 fallecía Andy Warhol inesperadamente, como consecuencia de una operación. Haring, quien en ese momento se encontraba de viaje en Brasil, recibió telefónicamente la noticia de la muerte de su amigo. En su diario escribe:
‘La vida y la obra de Andy hicieron posible mi obra. Andy creó el precedente que hizo posible mi forma de arte. Fue el primer artista verdaderamente público en un sentido amplio de la palabra; su arte y su vida cambiaron la idea que tenemos del ‘arte y la vida’ en el siglo XX. Fue el primer ‘artista moderno’ verdadero. Seguramente, Andy, fue el único artista auténtico del Pop Art’.

Y unos días después de su muerte hizo el siguiente dibujo.

Pero en una entrevista con Germano Celant, Haring hace referencia a una diferencia fundamental con la que se distanciaba de Warhol y del Pop Art.

‘Mis dibujos no intentan imitar la vida, sino que intentan crear vida, intentar vida’

‘Sólo soy feliz cuando trabajo. Y vivo cada día como si fuera el último. Yo amo la vida. La vida es tan frágil; de la muerte la separa una línea muy fina. Tengo claro que me muevo sobre esa línea… No renuncié al sexo, pero practicaba el sexo seguro o lo que en esos años se entendía como sexo seguro. Era consciente de que tenía que protegerme. A pesar de ello todavía se podían emprender muchas cosas y seguí activo; pero hacia el 1985 el sida había causado profundos cambios en Nueva York’

A pesar de que no podía saber cuando sería él mismo víctima de esa enfermedad, durante sus últimos años pintó un buen número de cuadros que tienen que ver con el tema sida. Se trata de cuadros con un efecto persuasivo, para salvar a otros.

Keith Haring & Jean-Michael Basquiat, New York 1987
‘Todo lo que sucede tiene su razón de ser. Y estoy seguro de que todo lo que sucede, sucede en el momento oportuno y en el lugar oportuno’

Keith Haring, 1985
‘Durante todos los años ochenta era consciente de que yo era, sin más, un firme candidato para contraer el sida. Lo sabía porque en Nueva York había, en cada esquina, una amplia oferta de sexo promiscuo… al que yo no me resistí’


1988 Durante una estancia en Japón, Haring descubrió manchas de color violeta en su cuerpo, que a su regreso fueron diagnosticadas como los primeros síntomas de haber contraído el sida.

otro hombre demolido en el East River
‘En un primer momento uno se derrumba completamente. Aunque en cierto modo había contado con esa posibilidad… cuando realmente se produce uno no está preparado. Por eso se viene uno abajo. Me fui al East River; en la orilla me quedé parado y no hice otra cosa que llorar’


Al conocer su propia infección con el HIV, muchas de sus obras adquieren una mayor dureza y aspereza. El estado personal, entre esperanza y desesperación, no paraliza la energía artística, sino que incluso la hace aparecer con mayor vitalidad.Como si quisiera combatir su propio destino con la pintura creó cuadros de enorme fuerza, trabajos de carácter agitador. Haring trabaja sin descanso como si quisiera vencer su propio destino pintando. Intensifica sus trabajos contra el sida. Inaugura una filial del Pop Shop en Tokio.



‘Mi trabajo es todo lo que tengo y el arte es importante en mi vida’


Después de haber sido diágnosticado de sida Haring modificó sus costumbres: cuidó más de su salud y le dio menos importancia al sexo.



‘Veo las calles que no están pensadas para ser arte, pero que a mí me revisten un interés estético; por tanto para mí son arte. Veo camiones pintados o vallas publicitarias pintadas, viejas y estropeadas u otras cosas que a mí me proporcionan información e inspiración y una especie de cierta cosa visual. Algo hace clic en tu cabeza’

A Pile of Crowns for Jean-Michael Basquiat, 1988
Muerte durante este año de Jean-Michel Basquiat como consecuencia de una sobredosis de heroina, admirador de este otro artista, y en su condición de amigo le alzó un monumento artístico y donde y donde expresa el aprecio que sentía por su amigo.

1988-1989 En los últimos años de su vida, Haring enriquece su arte con una nueva complejidad.

- Burroughs por R. Mapplethorpe -
Colabora con el escritor William S. Burroughs; Haring ilustra dos textos (Apocalypse, un cuaderno con diez serigrafías y un texto de Burroughs y The Valley, capítulo de la novela de Burroughs ‘The Western Lands, que Haring ilustra esta vez con una serie de 15 aguafuertes).


‘No entiendo por qué el establishment americano del arte -los museos- siguen opiniéndose aún a mi trabajo. En cierto modo me alegra su resistencia, pues me da algo contra lo que puedo rebelarme. Como siempre, encuentro apoyo no en los museos o en los comisarios de las exposiciones, sino en la gente del pueblo’

Hace grandes esculturas en Düsseldorf y pinturas murales en Barcelona, Mónaco, Chicago, Nueva York, Iowa City y Pisa. En esta ciudad pinta el muro exterior de la iglesia Sant’ Antonio con su cuadro ‘Tuttomondo’, y última obra pública.
Tuttomondo, 1989
Una acción que él mismo describe como uno de los momentos cumbre de su carrera. En su vida privada pasa mucho tiempo con su amigo Gil Vázquez, que se convierte en su último compañero. Fue por esa época en que se separó de Juan Rivera. Y Haring ya no quiso unirse a nadie más. Lo que tenía con Gil Vázquez era una amistad platónica

‘La amistad con una persona con la que no tengo ninguna relación sexual es para mí un nuevo desafío. Descubro ahora lo maravillosa que puede ser una relación de amistad, en la que se comparte todo, en la que uno ayuda al otro’

- DIRECTORA DE LA FUNDACIÓN KEITH HARING -
Haring crea antes de su muerte una fundación que lleva su nombre y cuya dirección confía a su ayudante Julia Gruen. La fundación tiene como objetivo promover proyectos para niños, así como ayudar a organizaciones que luchan contra el sida.

La fundación se dedica además a dar a conocer la obra de Haring a un público amplio mediante exposiciones, publicaciones y préstamos de cuadros y el objetivo artístico de la fundación es dar a conocer, al público amplio, la persona y el arte de Keith Haring. Cosa a la que desde aquí las criaturas… queremos contribuir.
Mural en Houston Street, Nueva York, 1982
‘Era Halloween de 1981… Quería hacer ese gran rostro en el muro [de la galería Annina Nosei], solo esa cara de cartoon con dos ojos… tras pintar un ojo y bajarme de la escalera, me di cuenta de que estaba demasiado lejos del centro. ¿Qué hago ahora? Está en el muro y tengo que hacer algo con ello. Entonces añadí un tercer ojo; de repente tenía un sentido profundo el que hubiera un tercer ojo. Después, cuando lo repetí más tarde, la gente supuso que era premeditado. Al repetirlo y emplearlo de diversos modos, se convirtió en otra cosa. Lo mismo sucedió también frecuentemente en el metro’

‘En todas mis obras hay un cierto grado de contenido que es más obvio, que transmite una idea específica o general que la gente entiende. Pero en muchos casos, el contenido de una obra es suficientemente ambiguo para que todo el mundo lo pueda interpretar. Esa es una de las razones fundamentales por las que los dibujos en el metro tenían tanta fuerza. No contaban exactamente lo que significaban’

1990 El 16 de febrero de este año Haring muere de sida, a la edad tan solo de 31 años. A finales de enero su estado había empeorado notablemente. Se encontraba débil y no podía ni siquiera pintar. Poco antes le confesó a su biógrafo.

‘No hay que desesperarse, pues eso significa abandonar y el abandono significa quedarse parado. Vivir con una enfermedad mortal abre una perspectiva de vida completamente nueva. No es que necesitara la amenaza de la muerte para estimar la vida. Siempre fui de la opinión de que hay que aprovechar la vida lo mejor que se pueda… y del futuro se ocupa uno cuando llega’


El último cuadro que hizo en su estudio data de noviembre de 1989. Haring aún mantenía el vigor y la actividad artística de siempre. En contra de todo lo esperado, el cuadro muestra una escena alegre. Figuras jubilosas de brazos abiertos, que en el plano técnico podría decirse resumen su obra, pues en ella aparecen reunidas muchas de las técnicas que Haring había probado anteriormente: el trazo de las líneas recuerda a la de sus primeros trabajos sobre plancha de vinilo, las abreviaturas su aficción a los dibujos jeroglíficos y las huellas del goteo a sus drippings.

El nombre de Keith Haring se puso, y se sigue poniendo aún, en relación con un estilo gráfico de pintura, en el que superficies de colores radiantes están rodeadas en sus contornos de gruesas líneas negras. Pero son líneas que no se trazan tan solo por razones meramente formales, de delimitación, sino que experimentan un aumento de efecto estético. Temáticamente recurre a las mismas fuentes de las que el artista está rodeado.

Acrílico y óleo sobre lienzo, 1985
Un aspecto de esos cuadros suyos de vivo colorido que suele malinterpretarse es la iconografía al parecer infantil. Si bien las obras recurren conscientemente a modelos conocidos del mundo de los cuentos y de los dibujos animados, sería equivocado calificarle de artista para niños… Haring emplea la familiaridad de estas formas para desconcertar al observador

Junto a Walt Disney y demás dibujos animados, la generación de Haring estaba marcada por temas como las centrales nucleares y la navegación espacial. Una anotación en su diario muestra que el artista era consciente de esta situación paradójica.

‘Nacido en 1958, primera generación de la era espacial, en un mundo caracterizado por la televisión y la satisfacción inmediata de las necesidades, hijo de la era atómica. Crecí en Estados Unidos durante los años sesenta, con las noticias de la guerra de Vietnam en la revista ‘Life’. Vi tumultos en televisión, sentado en una acogedora sala de estar, relativamente seguro en la América de la clase media blanca’

Haring fue un enérgico enemigo de la energía nuclear; participó en manifestaciones y diseñó pósters con lemas anti-energía atómica, que distribuyó gratis en los mítines. De los horrores de la era atómica habla ese cuadro que el artista hizo con su lenguaje formal típico. En blanco sobre la plancha negra colocó al niño a gatas en el centro del escenario nuclear, exponiendo así el símbolo de la vida a la destrucción. Gruesas cruces rojas, marcas negativas, aparecen por toda la superficie del cuadro. La reducción de los medios empleados subrayan el mensaje. Y con el mismo énfasis de horror caracteriza también a los cuadros que hacen referencia a las consecuencias negativas del progreso técnico…

Aunque la orientación temática de sus obras no se limita tan solo a aspectos universales o de crítica social, sino que documenta preferencias personales como la danza.


La danza y la música eran, para este hombre, elementos esenciales de su creación artística. Y mientras trabajaba escuchaba hip-hop a todo volumen.

Sus figuras prisioneras en movimientos rítmicos y convulsiones acrobáticas, parecen moverse siguiendo la música. Los trazos del movimiento aparecen como rayos, que subrayan una vez más el tema de la electricidad.

Haring, además estaba especialmente interesado en la capoeira, una danza guerrera afro-brasileña y era consciente del absurdo de sus cuadros.
‘Los símbolos se explican a si mismos, pues son bien sencillos; pero su combinación, el modo en que se combinan o se excluyen unos a otros, a veces se contradice. No hay una linea clara de A a B, del mismo modo que no todo tiene siempre el mismo significado… al mismo tiempo existen muchas ideas diferentes. Como en un sueño, una cosa tiene sentido y otra no; pero las dos juntas reproducen la realidad’


El trabajo con esculturas tridimensionales suponía para Haring una posibilidad más de experimentar con nuevos materiales y poner a prueba su capacidad como escultor.